[刺青] Thomas Sinnamond - 無為而無不為的美感依循

written by Mr.cliche

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Thomas Sinnamond，美國刺青藝術家，現以西雅圖True Love Art Gallery為主要創作據點，作品除了以幾何與簡約的設計為主，時而搭配水漾色彩中和作品的剛性，或以多風行於歐陸的拼貼元素組成超現實解構。在多元融合的風格下，Thomas最特別的莫過於創作理念，身為西方藝術創作者，卻以中華傳統的道家學說做為依循，以”無為”建構主軸並不增添多餘的潤飾。美學是不須被定義的，美或不美皆在於作品本質，這樣的創作思維是Thomas能在世代框架下塑造獨特性的關鍵，並在客戶需求及藝術觀點間找到平衡點，也正是Thomas Sinnamond遵循美感本質的”無為”依歸。

Thomas一直都對90年代由街頭興起的藝術風潮特別感興趣，合理說來對刺青藝術必然難以忽視，但起初Thomas卻相當反感。主要是來自於年輕時對刺青的第一印象，總是在生活圈見到技術不甚精湛的作品，模糊不清的呈現讓Thomas認為以皮膚作為創作媒介似乎有過多的限制，因而產生排斥。而在這波街頭次文化中，Thomas選擇的是以穿刺藝術為主軸進行創作，甚至意圖在美國賓州建立起第一間專業的穿刺藝術工作室。隨著與刺青藝術家共享工作室開始，慢慢地對刺青改觀，並想自己動手驗證創作媒介的不同而開始了簡單的刺青技法學習，半自學的Thomas很快地就以工作室的walk-in客戶與好友們為畫布展開刺青創作生涯。

Thomas是當代風潮的集合體，更是刺青藝術場景前後的融合。身為一位刺青工作者，總是在風格建立與客戶需求間找尋平衡點，隨心所欲的創作幾乎是不可能的。但這也是能注入不同能量與發展不同契機的良性循環，並隨著藝術家的創作思維注入，漸漸地導向符合時代風潮並建構個人風格，這也正是為什麼Thomas的作品暨能滿足客戶需求又能體現世代象徵的藝術觀點。Thomas除了以幾何與簡約的設計為主，時而搭配水漾色彩中和作品的剛性，或以類似源於歐陸的拼貼元素組成帶點超現實解構的多元融合，總而言之Thomas是擅長整合、駕馭各風格要素並轉化合成為個人標誌。

創作靈感可以來自於任何藝術形式，對於Thomas而言形式間的有機互動與微觀宏觀的關聯性深深影響其創作思維，不論是小至平面設計、具實體的工業設計、甚至是大型的裝置建築，其中反覆堆疊的線條紋理都可以是Thomas的靈感來源。其中又以不對稱或是超出預期的非慣性要素影響最深，時而可從Thomas作品的解構重組略見一二，抑或嘗試以非既定印象呈現美學，這也是Thomas能在世代框架下塑造獨特性的關鍵，畢竟美的事物應是沒有邏輯規則須遵循的。而身為西方藝術創作者，Thomas最特別之處莫過於其宏觀視野來自於中華傳統的道家學說，”無為”是Thomas的創作準則，”知者不言，言者不知；知者不博, 博者不知”不進行多餘的潤飾、不以文字多做描述，美學是不須被定義的，美或不美皆在於作品本質，這正是Thomas Sinnamond遵循美學本質的”無為”依歸。

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Thoms Sinnamond

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[刺青] Winston The Whale - 紅藍疊影，雙色比鄰的立體錯視

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Winston The Whale，美國波特蘭藝術家，擅長融合復古經典與當代美學，以鮮明色彩搭配60、70年代歐陸風格最為拿手。擁有街頭塗鴉底子且熱愛街頭文化元素，對於流行趨勢相當敏銳，並在因緣巧合下接受了開啟其創作轉捩點的刺青委託，以3D元素創作人形骷顱。藉此在眾多熱門的刺青創作元素中從復刻美學出發，用最簡約的方式勾勒出立體透視概念，以雙色線條串起群眾的共同記憶，創作出比眼鏡下立體影像更加迷人的紅藍疊影。

 本名為Dave Walker的Winston The Whale並不是一開始就對刺青藝術感興趣，更沒計畫投入刺青創作。打從12歲開始就在街頭創作塗鴉，並熱衷街頭文化，長時間在街道走跳的Dave對於流行資訊與潮流走向有著敏銳的嗅覺，正也是成長在資訊膨脹的千禧世代得天獨厚的天賦。創意源源不絕的西岸街角，牆面塗鴉之外吸引Dave注意的就是充滿招牌號誌、垃圾桶、書報攤的潮流貼紙。很快地Dave就將個人的塗鴉創作延伸至貼紙設計，並將充滿創作野心的自我轉化為別名Winston The Whale在波特蘭街頭擴散。

隨者Winston The Whale在巷尾街角的一致好評後，Dave經常在陌生人的滑板、電腦、單車、甚至是水壺上看到創作心血，這也燃起Dave想以更獨特的創作形式讓大眾認識自己的創作風格，正是Winston The Whale開始跨足刺青創作的契機。從手針開始作為創作起點，靠著長時間的累積並不斷以朋友為刺青樣本，終於在漸穫藏家青睞的同時Dave接受了開啟其創作轉捩點的刺青委託，以3D元素創作刺青藝術中最常見的人形骷顱。

而Winston The Whale聯想到的3D並非當今流行的點陣擬真，反倒是以復刻美學出發，用最簡約的方式勾勒出立體透視概念，就如同兒時3D眼鏡下比立體影像更加迷人的紅藍線條。Dave藉由這次創作機會，在眾多熱門的刺青創作元素中延伸出適合自己的風格，簡約、直接、又帶點幽默，用最純粹的方式勾起群眾的共同記憶，快速地抓住目光。爆紅的紅藍3D復古元素，就像流行文化一般，來得快也去得快，對於快速輪轉的流行風潮Dave再熟悉不過，對於這類的刺青創作Dave稱它為Pinterest刺青，創造話題、接受度高、但也一下就淘汰過時，但卻是可以深刻地在人生歷程中落下鮮明軌跡。

以紅色與藍色分別針對左、右眼的接收頻率在腦內轉換為立體影像，這樣的視覺構成僅止成立於精準的計算與合適的媒介。雖然Winston The Whale的3D創作並無法透過3D眼鏡轉換為立體具象，但這樣的缺點反倒強化了趣味性，讓紅藍線條創作更加深刻，畢竟這是世界對於3D裸視的第一印象。而持續創新的Dave運用3D元素進行延伸，並將既有的運作框架打破，不僅僅以紅藍相佐的疊影作為創作準則，更將形體轉換與層次堆疊透過雙色呈現，成功增添新鮮話題性。在經歷過爆紅的3D創作後，Dave對於60、70年代的歐陸美學始終充滿濃厚興致，並逐漸轉換創作重心，以比紅與藍更加豐富的鮮豔色彩塑型對稱性十足的原創風格。

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Winston The Whale

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[刺青] Duke Riley - 新航海時代，美式水手精神的傳奇延續

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Duke Riley，集航海家、行為/裝置藝術家、畫家、雕塑創作者、史學家、East River Tattoo創辦人等多重身份於一身，更是一位不折不扣的冒險家，同時也是美國東岸最具舊時代航海精神的藝術工作者。刺青創作風格源自於新英格蘭地區的航海時代藝術、木雕等歷史感豐富的創作題材，皆以線條組成，極少上色或是打上陰影，並用單一墨色、線條粗細來強化細節，維持整體極簡氛圍。刺青創作外更有不少廣為人知的裝置/行為藝術，像是紐約MTA地鐵車廂的長幅奇幻潛水艇、車站裝置藝術，甚至是復刻戰事時期英國入侵紐約港的首艘單人潛水裝置於哈德遜河漂流而遭到逮捕並登上紐約時報頭條。在在都顯示Duke的藝術美學除了能代表最經典的美式航海精神，也象徵著紐約、美國東岸獨特的冒險家精神。

Duke在波士頓度過了童年，一直都對藝術、繪畫、甚至是刺青等美學創造充滿興趣，進而以繪畫為專業學能，朝著成為獨當一面的藝術家前進。隨著逐漸深入探索，Duke開始質疑自己能否終身以藝術創作自給自足，加上藝術環境逐漸商業化，在充滿不確定的狀況下，充滿反骨精神的Duke開始嘗試以刺青創作做為固定收入來源，並且直到1993年才在當時居住的波士頓羅德島嬉皮、藝術家複合聚集住宅以刺青藝術家為夥伴學習專業技法。1997年，在持續以刺青創作作為其他藝術與生活的支撐下，Duke將自己重新配置於紐約布魯克林，原打算將更多的時間投入純藝術創作上而停止了刺青創作，並與夥伴承租了整棟的廢棄大樓展開大規模裝置/複合型藝術展覽計畫。但隨著戲劇化的急轉直下，房租飆漲、廢棄大樓閒雜人士與Duke產生衝突並且以謀殺未遂遭到起訴。對於Duke而言，紐約這個重新起跑點並不是如此順遂，急需要大量金錢的狀況下，終於暫時擱置其餘形式的藝術創作，專心以刺青創作做為快速獲取資金的來源。

刺青創作的豐厚收入得以讓Duke脫離生活困境，這段期間除了專注於創作精進，更嘗試在藝術教育上更加深入探討。在Pratt藝術學院完成碩士學位，以產學並進，重新定義屬於自己之餘藝術的價值。爾後，隨著紐約藝廊、大型展覽的不斷興起，強烈的藝術商業化使得Duke刻意排斥藝術上的社交活動，進而轉向較為封閉的創作方式。並將生活情趣寄於河畔與美國東岸的水手文化，許多知名的藝術創作皆在這個時期誕生，像是最廣為人知的紐約MTA地鐵車廂的長幅奇幻潛水艇、車站裝置藝術、甚至是復刻戰事時期英國入侵紐約港的首艄單人潛水裝置於哈德遜河漂流而遭到逮捕並登上紐約時報頭條。逐漸在紐約嶄露頭角的Duke，更隨著駐點刺青創作的老闆週轉不靈而有機會頂下既有刺青所，重新整理成現今的紐約布魯克林傳奇指標名所East River Tattoo。

East River Tattoo，比起其他紐約刺青名所是與當地生活型態更加緊密結合且更具個人風格的指標，也是最具有像家庭般團結向心力的一個刺青據點。經過多次翻新的East River Tatoo除了秉持著傳統美式水手酒吧的木製裝潢外，室內大量的航海蒐藏更增添大航海時代氛圍，而在路口轉角的私人酒吧更是Duke與團隊夥伴的放鬆角落，充滿禁酒令時期的復古氛圍，其中最後一次在East River Tattoo的session也正巧因緣際會下得以與MxM在私人酒吧吧檯前完成背部蒐藏。East River Tattoo從店經理Kitty Joe的豪爽奔放、戰勝癌症且異常熱心，就像母親一樣存在的Sue Jeiven、先前多次介紹的同窗藝術家Liam Sparkes與MxM、瘋瘋癲癲的Mark Cross，East River Tattoo crew的好交情不僅讓刺青體驗變得自在，更是互相切磋學習的絕佳修煉場，這一切都在Duke的整合下得以實現，也成為紐約布魯克林最為知名的刺青名所之一。

Duke除了曝光度高的裝置藝術，刺青創作更是識別度高、極具個人風格。創作皆以線條組成，極少上色或是打上陰影，以單一墨色、線條粗細來強化細節並維持整體極簡氛圍。風格源自於新英格蘭地區的航海時代藝術、木雕等歷史感豐富的創作題材，除了與成長環境相關，更代表著Duke個人崇尚航海時代具冒險精神且簡單純粹的美好。象徵舊時代航海精神，Duke延續美式傳統刺青Sailor Jerry的創作風格成為美式精神的完美傳承，更是藏家一墨難求的東岸指標。Duke的藝術美學除了代表最經典的美式航海精神，也代表著紐約、美國東岸獨特的文化背景，更以重現舊時代風華的個人風格妝點著文化大熔爐，成為近代美國藝術文化縮影而永久蒐藏於布魯克林博物館。

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Duke Riley

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延伸閱讀

[刺青] 航海夢中飄泊的紅黑色浪漫：美式傳統刺青

[刺青] LIAM SPARKES - 經典延續，東倫敦的嬉皮指標

[刺青] 跨界合作的藝術奇才，幾何、DOTWORK刺青大師MXM

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[刺青] Mattia Mambo - 廚、藝精湛，食神附體的墨彩針味

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Mattia Mambo，義大利藝術家，以自訂為解構式風格的刺青創作聞名，現於米蘭近郊的Lodo Tattoo常駐。Mattia以食物、料理做為主要創作靈感，並以存在感十足的極粗線條搭配招牌解構手法，將作品以豐富層次、多面向地重新整理歸納。不論是從框架跳脫的協調色塊、穿越透視的內含物趣味或型態改變的抽象對比，儼然廚神附體的Mattia將食物、藝術完美融合，刺得一手好菜獨步於刺青創作圈。

Mattia剛接觸刺青藝術時是穩扎穩打地從與現在截然不同的傳統風格開始，本身就對經典美式水手刺青、日式刺青相當喜愛，對於具有深厚歷史背景的經典創作格外投入。在漸全盤了解刺青創作樣貌後，開始在針尖筆墨間探索自己，為Mattia Mambo這個名字重新定義，開創出與過往截然不同的原創思維。Mattia所做的就如同刺青藝術的存在一般，蒐藏家們不論是深思熟慮或著浪漫隨興地持續在身上烙下印記，是代表自己、也是更了解自己；對於執行的刺青藝術家亦同，刺青藝術的施與受就是圍繞著自身本質、探索自我的無二美學。

Mattia將自己之於食物、廚藝的熱愛與藝術結合，題材多圍繞於食材、廚具、甚至是知名食用品牌，再以一眼就能與本人樂觀個性作為連結的鮮豔水色飽和覆蓋，忠實呈現Mattia給人的第一印象。而結合極粗線條與圖層概念的解構式風格更是Mattia將傳統技法與當今科技輔助完美融合的產物，如同Mattia的創作歷程，以Adobe Illustrator精準地構圖，再由招牌的圖層功能解構出色塊與框架脫離的創新視感。

而Mattia對於解構概念的持續鑽研，不僅從原先的圖層析離延伸至多面向的同質性移轉，就像蘋果框架搭配色塊呈現的型態轉換、咖啡壺線條結合褐色意象的層次挪移，虛、實皆讓人玩味。刻意營造的精準線條更讓人不禁聯想兒時著色趣味，怎麼塗都無法精準的天真浪漫，或許正是完整地呈現在血墨中投射的自己，Mattia真摯的自我創作也讓身為藏家的我們能更深層地於針尖探索有如食神附體的自己。

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Mattia Mambo

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[刺青] David Côté - 太空漫遊，明暗對映的夢中銀河

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David Côté，加拿大藝術家，現主要於蒙特婁的Imperial Tattoo Connexion創作，並以剩餘的時間安排全球城市客座駐點。以抽象、超現實的創作題材與明暗對比的招牌用色而聞名，David的創作題材常來自於夢境，擁有不少人稱羨的清醒夢意識，能在做夢的狀態下同時擁有思考與記憶的能力，甚至具備與真實世界相同的感官刺激並能控制夢境發展。這樣的天賦讓David擁有超高效率的創作模式，更能完美重現怪誕、詭異但又極端美麗的銀河夢境。

機械式的繪圖軟體操作與制式的練習作業，學校的平面設計課程很快地就讓David感到無趣，但仍對於極簡與幾何設計充滿濃厚興趣進而開始自主創作，並與好友迷上了刺青蒐藏，在深入了解後正式成為一名刺青藝術家。從最初期的傳統刺青風格開始鑽研，熟練技法與基礎創作後，漸漸將自己持續探索的創作風格融入，除了在構圖上植入了平面設計的想法，更在持續精進後導入對比強烈的用色，逐步建構出等同於David Côté的獨到創作。

David的作品整體而言是怪誕、詭異、更絕對是獨一無二，常讓人聯想到不真實、超越現實的夢境，而這正也是其主要創作來源。天生就有著夢遊與清醒夢的症狀，能在做夢的狀態下同時擁有思考與記憶的能力，甚至具備與真實世界相同的感官刺激並能控制夢境發展。聽起來簡直就跟超能力一樣，沒錯，這就是David作為藝術家的天賦之一。David的創作模式就是固定在床頭放上紙與筆，習慣於晚上鑽研創作，往往在睡前完全投入其中，順勢影響夢的情境，而在起床時只要拿起紙與筆，就能把握夢境最清晰的時刻快速記下所有細節，在將之整理歸納成創意資源。David本身就認為自己的創作模式與作品有著極高的共通性，就是怪誕、奇異，但是異常有趣！

等同於睡覺也在創作，這就是為什麼David如此年輕就能在藝術創作圈嶄露頭角，除了天份，另外就是帶點作弊性質的努力。David的夢境是帶點外太空的抽象氛圍，或多或少來自於自身喜好，相當喜歡復古海報元素與科幻近未來電影，兩者結合而成的70、80年代未來藍圖等同於David夢境的映射。也跟刺青作品一樣，像是以不符現實的對比配色將熟悉事物搬移穿越至超現實的異度空間，就如同帶上銀河慮鏡一般，所有物件一經David之手，就像降落在火星抑或穿越至2317年的近未來。

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David Côté

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[刺青] Dillon Forte - 無限迴圈，幾何為圓心的公轉自轉

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Dillon Forte，美國加州藝術家，以兼具傳統與創新的單色幾何圖紋廣為人知。投入可觀的時間鑽研工藝美學與技法，以跨越不同媒介的豐富創作經驗在作品中注入內涵。靈感多來自於古老宗教、神祕學的神聖圖紋，再融入未來感的俐落設計，古今交錯出和諧的肌膚協奏曲。具備多媒介創作經驗的Dillon更同時在刺青創作外進行攝影、時尚設計、策展等副線計畫，逐漸串連出自己的美學網絡。

早期的開放式教育讓Dillon可以無拘束地嘗試各種創作可能性，不論是創作的形式或是媒介無不涉略，在2006決定以刺青作為創作主軸，在加州刺青店逐門拜訪到能成為學徒為止，爾後的全力投入和明確的風格建立都讓Dillon能快速上手，成為獨當一面的藝術家。再經過無數刺青博覽會的歷練，不論是倫敦、芝加哥、夏威夷、波特蘭刺青博覽會，或是極小眾的新興展覽Dillon都不缺席。也在技法及想法都達到期望的水平後更收放自如地從操舊業，以貫徹如一的創作理念執行跨媒介的副線計畫，建構出以幾何為圓心的美學網絡。

幾何圖紋是Dillon所有作品的根源，更明確點是帶著宗教色彩、神祕學的神聖幾何，眾多說法都將之以宇宙甚至是萬物起源畫上等號，其中不論是構成比例、反覆堆疊的圖紋邏輯，似乎都蘊含著超越美學的能量，籠罩著神祕色彩的圖紋堆疊，更讓人不由自主地吸引，也是現今刺青創作不能忽視的強烈風格之一。Dillon更是投入了大半時間鑽研神聖幾何的含意與起源，小至分子構成、大至宇宙組成都與神聖幾何息息相關，也正是能量生生不息的象徵，更像是一個無限迴圈的生命循環。Dillon將元素分解後注入具現代、未來感的俐落設計，構成自己的神聖迴圈。

就像攝影師擁有了瞬間掌握黃金比例的構圖洞察力一般，Dillon對神聖幾何的熟稔也讓其能以任何題材為創作靈感，神聖幾何是無處不在的，不論是花草枝葉的構成組合、礦石的紋理質地、或是雪花的獨特形體，簡而言之就是所有生命的結構形體都可以是創作根基。而Dillon不僅創作風格新舊交融，創作流程更是如此，基於幾何創作的完美特點、加上提供客戶最佳的創作體驗，Dillon持續導入最新的繪畫科技，輔助於創作流程之中。以手繪板精準創作完美幾何，並在施作前以圖片合成重現完成樣式與客戶確認需求，最終才是手做的精準執行，就如同Dillon正是在自己的幾何星系中吸引所有元素公轉自轉的宇宙中心。

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Dillon Forte

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[刺青] Liam Sparkes - 經典延續，東倫敦的嬉皮指標

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Liam Sparkes，英國刺青藝術家，早期長時間旅居全球刺青名所駐點創作，像是倫敦Shangri-La、柏林AKA、舊金山Indle Hand、瑞士Sacred Yantra與紐約East River Tattoo，現為東倫敦Old Habits刺青所創辦人。創作風格為單色經典復古融合些許傳統黑幫元素；比起外在設計，Liam更在意的是作品的情感與氛圍，完全就是本身放蕩不羈的豁達性格投射。而行旅全球的生活型態也讓Liam在藝術創作圈有著極佳的好人緣，不僅是眾多傳奇大師的口碑認證，更有許多同期奮鬥的當紅藝術家互為血盟之交相輔並進。

Liam Sparkes是完全活生生的６0年代嬉皮活標本！2010年冬天在布魯克林傳奇藝術家Duke Riley的East River Tattoo，經歷與Liam同期奮鬥、也是現在極具指標性的幾何/點陣刺青藝術家MxM的大面積馬拉松割線session後，Liam伸手遞出手捲菸草，並用濃厚的英國腔說道"You need this one, mate. You are mental!!"。率性、瘋癲瘋癲、無時無刻都在捲菸跟抽菸，但卻是非常酷的天才藝術家，這就是對Liam Sparkes的第一印象。

Liam最初開始與同袍藝術家MxM在東倫敦Shangri-La Tatoo常駐創作而慢慢累積名氣，並在一同建立起的刺青藝術網絡內往返歐美各大都市駐點，經歷與不少傳奇藝術家的並肩創作後，在刺青藝術圈漸成為無人不知的新興指標。才氣滿溢、對藝術創作的強烈渴望是兩人的共通特質，MxM的藝術刊物、服飾聯名與Liam的樂團創作都讓兩人在刺青藝術創作外的興趣相當合拍。風格各有千秋的兩人也不約而同地以東倫敦Dalston Junction為中心、相距步行不到10分鐘的距離，開設各自的刺青基地。MxM的Sang Bleu London與Liam的Old Habits，儼然成為新興刺青藝術勢力的集散地。

Liam的創作風格以中世紀石版畫、宗教雕印與近代法/俄式黑幫監獄刺青三者融合為基底，經歷長時間的經驗累積，佐以行旅全球的能量吸收，漸漸塑型、復刻出舊時代歐陸美學。再搭配與傳奇藝術家的交流切搓，像是Duke Riley的獨特藝術視角、Mr.X的經典筆觸與Thomas Hooper的點陣手法都讓Liam得以在作品呈現登峰造極，也進而能投入更多心思鑽研作品的靈魂、感觸等抽象內涵。這也是為什麼Liam創作靈感主要來自於人的感受，尤其是負面情感。Liam認為具深度的感觸皆來自於人們面臨的困境，越是不順遂的人生往往越充滿故事性，也更能激起人性的光芒，這多半也都來自於自身經歷，這也是Liam看似放蕩不羈的生活態度下層層累積的深思熟慮。

長時間的情感累積與雲遊四海的開闊心境造就Liam豁達的人生觀與超酷的生活態度。自己身上就擁有足以稱為移動當代刺青博物館的驚人蒐藏，卻說有不少刺青是喝醉或不省人事下被完成的，當然也代表對創作藝術家的極為信任與正確的藝術創作觀念。"如果蒐藏的作品是會讓你一輩子後悔的，那基本上你應該是擁有一個不錯的人生，這一輩子有太多事比刺青更值得後悔、煩惱的，所以讓藝術純粹就是藝術吧!"，Liam正是這樣表裡如一的藝術家。重點不在於是怎樣的作品，而是你對藝術家的認同與創作當下的過程，這才是真正有意義的內涵，Liam認為額外賦予刺青含意是多餘的，就像他的自身喜好一般，單色全黑刺青本身就是強烈的訊息傳達，也是代表本人生活態度的"意義"。

而Liam對經典傳統的熱愛更能從在東倫敦創立的Old Habits刺青所除了從名稱就能一窺對舊時代典型美學的熱衷，更是對傳統刺青藝術的致意。不僅與初期所駐點、現已歇業的Shangri-La Tatoo成員作為合作夥伴，藉以延續Shangri-La的old school精神，更得以重現最原汁原味的刺青場景。如同Liam本人的生活態度一般，在Dalston Junction一帶與MxM的Sang Bleu London構成一當代創新、一經典傳統的交互輝映。

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Liam Sparkes

Old Habits Tattoo

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[刺青] 跨界合作的藝術奇才，幾何、DOTWORK刺青大師MXM

[刺青] THOMAS HOOPER - 多層堆疊、視覺錯視，技藝入魂的曼陀羅巨闢

[刺青] DUNCAN X - 反叛人生的黑白協奏曲，英國刺青傳奇MR.X

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[刺青] Veks Van Hillik - 虛實交錯，超現實擬態

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Veks Van Hillik，法國藝術家，現居於法國土魯斯，以繪畫、街頭大型塗鴉、刺青等創作形式聞名，是新生代跨媒介藝術家指標之一。Veks的創作是成長過程與現實夢境間的橋樑，多於自然生態延伸出超現實風格。其中題材多著重於動植物，生態的多樣性給予Veks更多創作空間，而動物結合人類特性的抽象設定也更能營造出強烈的超現實氛圍。

Veks成長於法國南方，雖未正式就讀設計/繪畫相關科系，反倒是選擇了烹飪專業，但兩者共通不變的特質就是創造、親手創作出屬於自己的作品。而從小受哥哥的影響，持續進行繪畫創作，隨後以興趣為導向參與了業餘繪畫課程，除深深被藝術史吸引外，也精進了分析藝術的洞察力，更培養了對於藝術工作者最為重要的開闊胸襟，此後明確地聚焦於繪畫創作，並以此為志業。Veks創作題材多受生長環境影響，以自然生態為主要元素，並以此為根基奠定其後創作風格的框架骨幹。

除了受生長環境中大自然生態啟發，電玩遊戲、動漫畫、街頭塗鴉、刺青、甚至是當代通俗美學及中世紀古典美學都直接或間接地影響著創作風格。交錯綜合後Veks呈現的創作是兒時記憶與夢境的延伸，在日常物件上投射出與現實相異的想像，是對天馬行空創意的致敬也是對無邊幻想的歌頌。Veks作品中最直觀的連結就是超現實主義，受該流派指標性藝術家像是安德烈．布里東、達利的影響，超越常理的視覺呈現、豐富的創意題材值得讓人一再玩味。

其中Veks的題材多著重於動物、植物，而鮮少以人為題材進行創作。除了動植物的生態多樣性能給予Veks更多的創作空間外，將動植物結合人類特性的抽象設定也更能營造出強烈的超現實氛圍。像Veks最常創作的魚，就是源自於兒時最大的興趣-溪釣，也讓其不由自主地將各式魚類浮游於肌膚之上；抑或是蛙類，介於魚類與靈長類的進化過程，注入擬人動態更能體現Veks腦海中的擬人想像；而其餘像是馬、兔、鳥等充滿高識別度的生物特徵都是Veks熟悉且想持續創作的主題。Veks的繪畫、刺青創作也是為自己建構出回味兒時鄉愁的時光隧道。

除了繪畫與刺青創作外，Veks的創作媒介也延伸至街頭大型牆面塗鴉，不僅更能展現作品張力，高識別度曝光也讓Veks的牆面創作在網際網路上廣為流傳，強烈個人色彩的創作風格也得以讓Veks以塗鴉作品帶動繪畫與刺青創作的關注人氣，實為相互交乘發揮藝術創作的最大效力，讓Veks能在不同形式與規模的虛實媒介間建構超現實想像。

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Veks Van Hillik

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[刺青] Kim Rense - 針雕墨刻，舊時代風華重現

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Kim Rense，荷蘭刺青藝術家也是位於荷蘭海牙刺青所Papanatos Tattoos的負責人，與店鋪比鄰的童裝設計師妻子在二線城市以美學優先的概念培育下一個世代。Kim的單色創作風格多著重於類似19世紀的西方刻版畫元素，以較細緻的線條勾勒輪廓，搭配疏密點陣堆疊出寫實紋理，兩者結合而成正是擬真細膩的舊時代風華重現。

Kim原為平面設計師，在同質性創作上做了媒介的轉換而開始了刺青創作。與童裝設計師的妻子在荷蘭海牙將頂讓的肉鋪改裝成刺青工作室，而妻子也在正對面開設品牌showroom。外觀極具設計感且強調完全開方式的自在空間，"Papanatos Tattoos"，雖然名字拗口，也帶點異國料理的餐廳命名影子，但卻是Kim別出心裁的巧思，是西班牙文"傻子"、"懦夫"的意思。Kim行旅西班牙的時候與當地人交流習得的西班牙文古語，多數現代人沒聽過的詞彙，正好符合Kim希望能以具有含意又低調的概念命名，而Papanatos Tattoos帶點嘲諷意味也巧妙地以無傷大雅的幽默點綴Kim的刺青工作室。

擅長19世紀的西方刻版畫元素，Kim以較細緻的線條勾勒輪廓，搭配疏密點陣堆疊出寫實紋理，兩者結合而成正是擬真細膩的舊時代風華重現。其中又以類似解剖學或操作說明書的功能圖像最為常見，帶點趣味感、寫實細膩，很難讓人不對構圖中的標記數字及視覺延伸線條著迷。而除了在創作技巧上的持續磨練，Kim比一般刺青藝術家更著重於良好的客戶體驗，唯有優質的客戶體驗能造就傑出的刺青創作，這點是Kim堅信不移的。刺青創作的過程與其說是技術施作，更是人與人的親密互動，不論對客戶而言還是藝術家本身，都是極具壓力的交流過程，只有建構於強大的互信基礎上再搭配彼此皆自在舒適的創作流程，才能擁有雙方皆投入的創作情境，也才能完成稱為經典的靈魂作品。

爾後在Papanatos Tattoos步入軌道後，持續參加全球各大刺青博覽會，造就Kim在刺青藝術圈的好人緣，自己也行旅全球與各地藝術家交流，更邀請不少知名刺青藝術家至海牙創作，Guy Le Tatooer就是深厚交情的駐點常客之一。而不斷精進擅長的細膩舊版畫元素風格，漸漸在刺青藝術圈累積人氣，在被知名出版社Gestalten的暢銷刺青著作"The New Tattoo"收錄作品後更讓Kim聲名大噪。隨更接踵而來的是更多知名刺青所的著點邀請和漸長的waiting list，越來越多刺青蒐藏家來到海牙只為了珍藏Kim的創作，親自體驗kim以手中的針雕墨刻在二線城市重新燃起的舊時代風華。

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Kim Rense

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[刺青] GUY LE TATOOER - 行旅全球，新世代風潮的起點

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[音樂] mitsume - 清澈透明的青春回憶

written by Benjamin Lin

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不可否認，具有透明感的女孩總是特別吸引人，清澈透明彷彿帶有雨後芬芳。2009年成立的日本樂團mitsume雖然是由4個大男生組成，但他們也卻富有此一美好氣質。

mitsume的4位成員皆來自於同一所學校- 慶應大學，並且因為社團的關係而認識結合，於2009年時組團至今共發行了4張專輯，在日本的獨立音樂圈算是小有名氣，也曾在2015年時來台灣表演過。

老實說，聽著他們的音樂似乎不會有什麼特別的情緒起伏，並不會特別激昂或是亢奮，就像主唱川辺素在舞台上面無表情得唱著那般，沉靜且自在。只是若將眼睛闔上專心聆聽，竟有種感覺彷彿自己正漫步在某個街道，吹著微風，緩慢且輕鬆的旋轉腳步。

mitsume和許多的日本搖滾樂團同樣，彈奏出的和旋時常有股令人舒爽的清新，不過他們在此之上不知為何又多了些許的鄉愁感，彷彿迎面吹來的微風中悄悄夾帶了故鄉土壤的氣味，讓人些許懷念學生時期的歲月。

在mitsume的4張專輯中我們最喜歡的是<eye>這張專輯，當中歌曲的編曲都來得較具特色且耐聽。像"Fly me to the mars”帶有點電氣夢幻，”towers”則是讓人輕易地陷入迴圈的節奏，跟著搖擺。”Disco”這首經典訴說著簡單的情侶日常，但在似乎無盡蔓延的吉他中不知為何多了些許憂鬱。而”煙突”曲中最後大意唱著: "從後視鏡中映射出的白煙，就像你過去的長髮般"，竟也是相似般的帶著些許詩意。

他們最新的專輯是在2016年時發行的<A Long Day>，在這張專輯中可以明顯感受到他們對於歌曲氣氛的營造已經來得更為成熟，無論是節奏或歌曲長度的掌握都恰到好處。只是可惜的是整體偏於平淡，比較缺乏以往的獨特風格。

cover photo credit to The Japan Times

[刺青] Rafel Delalande - 黑色雨點下的疊影是撒旦側臉

written by mr. cliche

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Rafel Delalande，法國刺青藝術家，旅居各國創作後，現常駐於英國東倫敦刺青所Seven Doors創作。擅長暗黑元素創作，不論是俄羅斯黑幫刺青、人像創作、甚至於最為拿手的惡魔題材，都以爐火純青的點陣技法堆疊出容不下一絲光線的陰鬱。而豐富的遊歷與廣泛的人脈不僅造就出Rafel獨一無二的深層美學，更是CMMN SNSS刺青專題裡不同傳奇藝術家串連的關鍵拼圖。

Rafel從青少年時期開始蒐藏刺青作品，漸漸地與刺青藝術家成為朋友，進而開始利用週末學習刺青技法。起初的3~4年都是當作嗜好隨興地吸收，直到與刺青傳奇Guy Le Tattoer相識並成為合作伙伴後，才開始以刺青創作為職業。和Guy的長期合作自然對Rafel帶來相當大的助益，兩人甚至一同在法國南方土魯斯經營刺青所，這時也是Guy的徒弟、擅長新日式創作的Damien J Thorn加入團隊的時期。三人的加乘效應對彼此而言不論是技法或想法都相得益彰，但也隨著Guy與Rafel熱愛都會游牧生活的習性而宣告終止，Rafel也展開了為期8年的全球遊歷，持續吸取能量，強化自身創作。最終為了心愛的女人而定居倫敦，除了在前知名刺青所Shangri-La Tattoo結識剛起步的幾何大師MxM與Liam Spark，更在機緣巧合下與另一位亦師亦友的西班牙刺青傳奇Jondix相識並持續合作至今。Rafel遊歷與人脈之廣泛，正是CMMN SNSS刺青專題裡不同傳奇藝術家串連的關鍵拼圖。

除了在初期曾嘗試以紅色點綴外，Rafel的創作始終如一的維持深層的黑色。撇除了玩味色彩的可能性後，Rafel嘗試著在技法裡尋求變化，在受到點陣刺青起源的Xed影響，也開始加入成為第一批使用點陣技法創作的刺青藝術家。當時藝術家多以點陣技法創作部落風格的刺青作品，而不是那麼被部落風格吸引的Rafel，將眼光聚焦在眩目的點陣曼陀羅宗師Thomas Hooper及未來合作夥伴Jonix的宗教點陣上，並屆此漸漸將多元的點陣技法運用在自己擅長的人像創作之上，創造出更多層次的黑色，讓自己在純粹的黑暗中也能玩味色調，創造作品的縱向深度。中期在與Guy合作後吸收多樣的創作元素後，死命地在逐漸成熟的技法外尋求更多的可能性，Rafel開始迷上了系統化的俄羅斯黑幫刺青，那股強而有力的陰鬱，再搭配上Rafel極為擅長的粗線條勾勒，交融而成的正是Rafel持續追尋最適合灰階創作的厚實氛圍。後期在Rafel將暗色系創作玩味到爐火純青後，多以惡魔、撒旦為創作題材，靈感多來自於50、60年代的黑白映畫與搖滾樂，其中又以驚悚類型及重金屬最符合其偏好，更在這時候接觸到Mr.X的原創經典，以其為鏡，去蕪存菁地簡化出極為深層且力道強勁的獨特美學。

經歷過多階段的創作旅程、與傳奇藝術家的交融切磋，作為當代刺青圈多重交疊中最重要的一塊拼圖，Rafel試著將更多的時間專注在繪畫創作，進而從中找尋下一個階段的靈感轉折，也許會更驚世駭俗、也許會更化繁為簡，但唯一能肯定的是必定會創作出更具層次的墨黑。

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Rafel Delalande

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[刺青] Jondix - 注入宗教魅力的幾何迴圈

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[刺青] Tina Lugo - 二元對立的成人夢境

written by Mr.cliche

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Tina Lugo，來自美國紐約，以日式風格與漫畫筆觸結合的成人題材插畫活躍於當代藝術圈，更是美國新生代最突出的插畫藝術家之一。創作題材堆圍繞於自身經驗與夢境，意在讓人正視內心最深層、從未被實現的慾望，並以鮮明色彩、幽默漫畫感的一面將大人的重口味加以包裝，讓人更赤裸地面對成長世故與兒時純真的自我對比。Tina對於創作理念的宣揚，堅持不假他人之手，這也是和CMMN SNSS介紹的刺青藝術家們最大不同之處，Tina先是成為知名插畫家後才開始橫跨刺青媒介，並堅持以自己的雙手為肌膚植入最深層的成人夢境。

成長於90年代日本動漫全球風行的世代，從小就受到各式動畫、漫畫影響而持續繪畫，更在設計學院發展出鮮明色彩、漫畫筆觸的創作走向。在這樣的成長背景下，一直對於宅文化相當嚮往的Tina，自然更熱衷於追求細節與帶點曖昧成人元素的日本動漫，不論是Jump少年快報、美少女戰士都如數家珍，也奠定了日後創作的根基。求學時期更以漫畫家與平面插畫家為志業努力著，但隨著電子媒介的興起，越來越少人閱讀實體書籍的影響下，Tina重新規劃了未來的方向，但唯一不變的是堅持著自己喜愛的創作風格。畢業之後，延續逐漸成熟的插畫創作為主業，透過電子媒介的傳遞，並搭配實體藝廊的展出，很快地就在大紐約地區藝廊間大獲好評，進而將觸角延伸至全美與日本等地。

Tina認為藝術最重要的意涵是訊息傳遞，除了作者的思維注入外，傳達的理念中最為重要的一個環節就是透過藝術家親自創作，也就是親手傳遞創作理念。這正是Tina跟CMMN SNSS介紹的刺青藝術家們不同的地方，Tina是在成為知名插畫家後，才開始嘗試將自己作品轉化成刺青的創作者。隨著藝術蒐藏家們紛紛以Tina的插畫作為刺青創作的參考外，持續地被詢問是否也能在肌膚上完成畫作，終於讓Tina不假他人之手，以Wolf ➕Kin為名，扎實地將自己的作品轉化於血肉之上，並持續以此理念嘗試更多非畫布的媒介。

Tina跨媒介的創作型態始終都圍繞在個人識別極強的成人風格。乍看之下是充滿美好氛圍的鮮明色調，隨著成人元素漸漸被瞳孔捕捉，就如同電影的反轉結局，在感受到畫作內隱含的挑逗與暴力後，伴隨而來的是與內心深層黑暗的幽默呼應。就如同夢境一般，充滿細節、光亮圓滿的美夢在霎時就能完全崩解成不堪入目的惡夢，這就是Tina Lugo創作的迷人之處。這一切的創作源頭多來自於Tina個人的經驗鏡射，除了反映從前對於性的好奇與害怕、青少年時期留下陰影的性經驗、甚至是持續不斷的惱人惡夢，都轉換成Tina對內心層面的洞悉，除了了解自己外，也更擅長觀察他人。就如同生而為人，不論多正直、多美貌的外表下，總是在最深處藏著僅止於想像的黑暗念頭，Tina就是想讓觀賞作品的人都能正面直視自己最不堪的黑暗，這樣的共鳴也得到相當的驗證，不管創作內容多醜陋險惡，鮮少有觀賞者提出任何不滿與反感。

而表述內心灰暗的另一個面向就是Tina一直嚮往能重新拾回孩童時期的純真，這也是創作理念的橫向剖析。色彩炫目、漫畫感的一面將作品的重口味元素加以包裝，就像腦海裡還殘存的兒時記憶，那樣的完整美好。而包裝背後成人題材的衝擊也更加讓人赤裸地面對成熟世故與兒時純真的自我對比。除了在作品的內涵注入了多層次意涵外，Tina也在作品的表現覆蓋強烈訊息，那就是性別平權的女性主義與對性的正確觀念。大量裸露的女性性徵，就是想強調女性應掌握自己身體的主導權，也正是對當今性觀念的一種挑戰，顛覆傳播媒體對於暴露性徵的欲蓋彌彰，讓人們以藝術的方式正視這樣的社會議題。

除了在畫作與刺青作品直接傳達創作理念外，Tina也著手與服飾品牌連乘，以更多元的媒介傳達訴求，讓藝術不僅止於藝術，能讓美學更具深度的被欣賞。

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Info :

Tina Lugo

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[刺青] Horikitsune – 破、捨、離的匠之道

written by Mr.cliche

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Horikitsune，本名為Alexander Reinke，是最傳奇的正統日式刺青Horiyoshi家族第四代傳人。名號正是Horiyoshi之名與kitsune狐狸之意組合而成，不僅是家族血脈外的正宗延續，更是傳統日式刺青世家的首例，以非日本人作為相傳對象。在完成正統刺青傳承「破、捨、離」的第一階端後即以英國為據點延續Horiyoshi家族的刺青志業，創作風格無庸置疑地絕對是正宗傳統流派代表，並在細節與設計中注入非典型日式思維，兩者融合為當代刺青藝術最獨特的存在，Horikitsune實為將入墨匠之道全球化並發揚光大的破格先例。

Alex從小就對東方武術特別感興趣，加上對繪畫的熱愛，很快地就對日本文化產生濃厚的興趣；意外地在家族旅遊時造訪舊金山Ed Hardy的傳奇名所”Tattoo City”並蒐藏了一代傳奇的經典作品集。對於刺青毫無概念的Alex就這樣持續以作品集為練習範本，漸漸地摸索出日式刺青的輪廓。隨後在20歲開始自學技法，並嘗試在好友身上創作，經過初期的自我摸索階段，Alex最終在義大利波隆那的刺青博覽會遇見了刺青大師Horiyoshi，並開始往返日本蒐藏自己的Horiyoshi 連身bodysuit。

經過多次交流和安排歐洲刺青展覽會的機緣下與Horiyoshi變得親近，但在Alex第一次詢問能否成為其學徒時仍遭到婉拒，得到了” Horiyoshi家族是不外傳的”這樣堅決的答案。在Alex與Horiyoshi、其他傳奇日式刺青家像是Filip Leu…等越來越熟識後，Horiyoshi 往返歐洲也更加密切。只有一個兒子的Horiyoshi 除了漸漸地受到全球化的影響而改變了技藝傳承的想法，也隨著年紀增長，開始將家族使命納入考量。基於Alex持續不變的決心與誠意， Horiyoshi終將延續家族傳承的使命託付給Alex， Horikitsune就此成為Horiyoshi家族的一員，不僅背負著正統日式刺青的未來，更扛起家族興衰的責任。Alex也正是Horiyoshi之子外唯一的第四代傳人，更是首位正統入墨外傳的異國人。

傳統日式師徒傳承是終生存在的，Alex雖為德國籍，但外國人的身分並沒影響Horiyoshi世家刺青技藝的傳承，在正式成為第四代傳人後，Alex 16年間每年造訪日本兩次，每次待上3個月，半數的時間皆在日本，更在後期曾於日本擁有自己的工作室，Alex對技藝投入的程度絕對符合大和魂精神。而Alex的傳承制度完全比照正統日式匠人規格，以「破、捨、離」三階段流程作為遵循，每個階段各10年，經歷共計30年的師徒傳授與個人鍛鍊才能算是獨當一面的匠人。已步入「捨」階段並且跨越15年門檻的Alex，仍然保持著謙卑的學習心態，相信持續對自己身、心、技的磨練才是不愧對日式匠之道。

Horikitsune與Horiyoshi世家即是正統日式刺青的延續，更是刺青文化的縮影，絕對可為日本最指標性的代表之一。擁有百年歷史的入墨文化，經過深厚的文化累積，不僅在技法、設計、抑或是氛圍與精神都充滿份量。在這樣的先天優勢再搭配著匠道的技藝傳承，Alex在融會貫通日式精隨之後，仍持續針對作品設計進行鑽研，在既定的骨架上變化，認為只有透過設計上的精進才能造就真正雋永的經典作品。遵守「破、捨、離」是對自己及藝術的重視，也是追求技法呈現後，專精作品靈魂的唯一方法，更是Alex承接技藝傳承的精隨。最重要的就是過程，也正是追尋匠道的法則。

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Info :

Horikitsune

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 延伸閱讀 

 [刺青] 亞洲發跡到全球進化的匠級藝術：日式刺青

 [刺青] Filip Leu - 血脈傳承，再造世家巔峰

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[刺青] Lea Nahon - 自我印射的鏡面四格

written by Mr.cliche

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Lea Nahon，法國刺青藝術家，以比利時為主要創作基地，並在英國與法國兩地間定期駐點。漫畫感的手繪風格是對於Lea創作的第一印象，筆觸細膩的歐美式畫風讓Lea的刺青創作能同時保有超現實與寫實，Lea的漫畫風格除了細膩寫實外，創作題材多帶點成人元素，多數而言都是圍繞著自己的生活，甚至是內心最深層的親密感觸，也讓Lea的創作別具深度且帶點誘人特質。身為法國新興刺青風潮的一環，Lea多於創作中保留構圖筆觸，並不刻意修飾，這也是比傳統刺青創作更具生命力的個人特徵之一，也是創作者獨有的個人印記。

「一直順利進行下去的話，我應該會成為馬戲團團長!」Lea從小就是很有自我意識，明確知道自己的喜好跟想做的事，當然也一無反顧地去實踐，也真的進入馬戲團學校就讀，但受限於生活環境最後還是選擇了同樣喜愛的設計之路。鮮明創作風格的Lea在接觸刺青藝術前曾為非主流雜誌出版漫畫及插畫，在職業轉換空窗期的偶然之下到了刺青所打工，也接受了藝術家收為學徒的邀約，而正式開始了刺青創作，一直持續的漫畫創作也隨時間的磨練在接觸刺青藝術後更顯得爐火純青，也讓Lea一直試圖將之轉換於肌膚之上。

隨著於各國駐點歷練並與不同藝術家近距離學習，最後在首次參加美國拉斯維加斯大型刺青博覽會後即交了不少同行好友，並組合成On Road Tattoo組合，每年固定一路由美國東岸到西岸參加大大小小的刺青博覽會，這段期間也讓Lea吸取多元創作能量，漸漸琢磨蛻變出現在的傑出刺青風格。Lea最終選擇了自己最喜愛的合作夥伴在比利時、英國與故鄉法國建立創作基地，並運用自身刺青博覽會的豐富經驗與夥伴們合作組織出巴黎刺青博覽會，更是法國象徵新興刺青文化興起的代表性活動。

身為法國新興刺青創作的一環，Lea不僅在創作手法、技法執行、甚至是草擬巧思都脫離傳統刺青創作的框架，也更來得隨興、愜意，當然這並不減損Lea的作品質量，相反地Lea細膩寫實的藝術創作就足以證明創作流程與作品成果並無直接關聯性，了解自己、以讓自己更自在、更舒適的方式創作才是好作品的真正關鍵。而Lea的漫畫風格除了細膩寫實外，創作題材多帶點成人元素，多數而言都是圍繞著自己的生活，甚至是內心最深層的親密感觸，也讓Lea的創作別具深度且帶點誘人特質，更是一眼就可識別的強烈特徵。Lea創作的另一標誌就是構圖筆觸多保留創作軌跡，並不刻意修飾，這也正是Lea認為自身作品中最具生命力的一環，是設計演進的步驟，也是創作者獨有的個人印記。

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Lea Nahon

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[刺青] Xoil - 血墨黑紅，針尖上的Photoshop

written by Mr.Cliche

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Loïc Lavenu，法國刺青藝術家，以Xoil為名，於法國南方的私人工作室Needles Side創作，並每年固定兩個月於紐約布魯克林的Tattoo Culture駐點。 Xoil以類似Photoshop的拼貼風格聞名，被公認為最隨著時代進化的新興刺青藝術風格之一。以細膩、類似素描寫實的黑白元素為底，搭配大膽的鮮豔單色點綴，碰撞出拼貼覆蓋的影像合成氛圍，成功營造強烈衝突美學。

Xoil最初對於藝術產生興趣的起源來自於兒時玩伴的父親，也就是知名旅法巴西藝術家Sérgio Ferro影響。Ferro擅長拼貼風格的繪畫創作，隨興的創作風格讓Ferro常分階段完成畫作，並藉此融入多樣風格，正因為創作的不完整性，更造就Ferro獨一無二的拼貼風格。Ferro的畫作也在Xoil的潛意識留下深刻印象，但一直到實際進行藝術創作後Xoil才漸漸能體會Ferro看似一片混雜但實為才氣縱橫的獨門含意，也自然而然地融入其刺青創作中。Ferro的經典畫作與創作理念更奠定Xoil充滿創作企圖心的青少年時期，試圖擺脫看似一成不變的村鎮童年。而Xoil對刺青創作的開端就如同許多藝術創作家一般，有了具體的創作標竿抑或是透過刺青創作的展示而產生興趣，Xoil是在下定決心脫離成長舒適圈後在巴黎見到反差強烈、歷史感濃厚的年邁經典刺青收藏家而勾起濃厚興趣，也讓Xoil更確信自己想成為掌握人生走向的主人。

隨後Xoil憑藉著長時間的練習與高標準要求自己的決心，搭配初期在客人指定的創作風格中磨練純粹的技法，讓Xoil不停思考在單調的創作元素下如何激盪出新的火花，這也讓心中被Ferro潛移默化的創作種子漸漸發芽。被公認為最隨著時代進化的新興刺青藝術風格之一，Xoil的風格常與Photoshop的圖像合成畫上等號，而有趣的是Xoil正也擅長以Photoshop作為刺青創作的工具之一。從最初與黑色最為匹配、營造極強對比的紅色開始，漸漸隨著自我要求的持續精進與不停檢視自身創作，慢慢地延伸至藍色、橘色，甚至是以互補色勾勒整體創作重點，最終的目的是希望能完美融合色彩光譜上的每一個元素，淡化既定風格的侷限。對於Xoil而言，所有的刺青創作都是一種實驗，不斷地學習、與工具培養感情、定期的檢視作品進步的幅度，讓自己可以不被定義，如此努力的原因多少也來自於本身創作的自信建立。從剛起步創作的被嘲笑，到被要求重新覆蓋自己的作品，都讓Xoil時時督促自己要一直以最嚴格的標準檢視自身創作。

法國的刺青藝術相對於英國、美國的傳統經典是更圖像化的，起步來得晚，但卻也更具活力，就如同先前介紹的塗鴉傳奇Fuzi一般，法國無疑是擺脫窠臼的新興風格融爐，而Xoil更是在這樣的背景下成為當代刺青藝術的創新突破口。身為新興風格的浪潮前端一份子，Xoil持續向前的創新蛻變，並隨著越多藝術家的投入，能夠相乘激盪出更耀眼的火花，也更期待刺青創作與藝術邊界能更加模糊並推向前人未進的新領域。Xoil除了在自己的創作中尋求精進的契機，更與多位當代頂尖藝術家共同創作，其中又以和Dots to Lines為名的Chaim Machlev聯手創作最廣為人知，Xoil的拼貼覆蓋原就是包容度很高的創作題材，自身創作就是多元風格的結合，再加上幾何大師Chaim的完美線條，更將當代刺青創作推上另一巔峰。

至於Xoil對於刺青是否為藝術的一環始終抱持著開放的態度，應該更正確地說，刺青跟藝術是否相等這個問題根本是不應該存在的，就像是風格與風格的界線一樣，流動的、無形的才應該是藝術真正的本質。Xoil憑藉著各式跨界的交流合作來反覆驗證自己對藝術的見解，從與Peugeot的車體設計、瑞士的精品錶款、到最日常的跨媒介創作，任何一環都是藝術本質的拼貼覆蓋，Xoil的本身就是完美交融的影像合成。

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Xoil

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[刺青] FUZI - 藝術無界，90年代塗鴉傳奇經典延續

[刺青] CHAIM MACHLEV - 天賦感召的點線交融

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[刺青] Nomi Chi - 針筆合一，相輔相成的皮囊素描

written by Mr.cliche

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Nomi Chi，加拿大刺青藝術家與插畫家，除在溫哥華固定創作外，在美國、英國皆持續駐點巡迴。以近似手繪素描的刺青風格聞名，具繪畫專業學程背景，並同時進行多樣媒介的藝術創作。更在繪畫與刺青兩種截然不同的創作媒介間維持巧妙平衡，相輔相成，以繪畫做為無受限的創意發想，以刺青做為突破自我的挑戰。針筆合一，兩種面向的創作歷練都讓Nomi快速地超越單一創作媒介下的成長幅度，迅速從新生代插畫/刺青藝術家中脫穎而出。

Nomi從有意識開始就持續不停地畫畫，在14歲的時候就有了第一個刺青，而且還是母親帶她去刺的，家庭的觀念開放且全力支持讓Nomi很早就開始探索各種藝術創作形式。在專業學程攻讀繪畫的Nomi可說是對繪圖極為拿手，擁有做為創作根本的高超手繪功力，加上喜歡嘗試新事物的個性，Nomi仍持續不停地嘗試各種創作媒介，這也是Nomi爾後以刺青創作和插畫為主業的契機。

Nomi的創作風格都以插畫為出發點，題材多以人像、動物為主題，並多圍繞抽象、扭曲氛圍，個人化識別十分強烈，絕對是新生代中數一數二的潛力新星。個性對新事物充滿興趣，容易對一成不變感到厭倦，這也讓Nomi的風格持續精進，逐漸成形為現今的素描刺青風格，並同時發展多元面向的企劃。Nomi也不斷嘗試在各樣媒介中找到最適創作配置，就如同在繪畫與刺青之間取得平衡卻又能發展出獨立風格。

刺青藝術對於Nomi是相對受限的創作型態，無法回復、重新修正錯誤，加上創作者的想法與身體條件等，相較於其他創作型態侷限更多。不如繪畫可以在腦海裡直接創作或反覆思考，多了與被創作者的溝通，某種程度上也算是無法一人完成的協力合作。當然這樣的先天條件有壞就有好，正因為這樣的限制，更能讓Nomi將創作與想法鍛鍊至極致，在有限的框架下極盡所能的突破，創造出更傑出的刺青作品。而至於多了一個被創作者這樣的身分介入，更是增添不少創意與想法上的激盪，當然絕大多數結果也許都不盡人意，但若碰上能將彼此想法推上更高層次的創作機會，可是千載難逢提升實力的絕佳機緣。

也因為不同面向的交替互補，構成良性循環的創作生態。讓Nomi在肌膚外的質材可以盡情發揮，並發展更多不受限的可能；在刺青藝術能持續突破並與被創作者共同激盪創意火花，兩種面向的創作歷練都讓Nomi快速地超越單一創作媒介的成長空間，迅速從新生代插畫/刺青藝術家中脫穎而出。

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Nomi Chi

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[刺青] Paul Booth - 支流源頭的暗黑神廟

written by Mr.cliche

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Paul Booth，開啟暗黑刺青創作的始祖之一，於紐約創立刺青所Last Rites Gallery和Last Rites Tattoo Theatre。Last Rites系列因Paul的經營理念與創作風格，儼然成為暗黑藝術的指標性創作空間，不僅保留與各風格融合的可能性，更鼓勵創作者面對心中深處的陰暗面，透過創作方式具體實現。Paul雖藉由刺青藝術名聲大噪，甚至可說是當代刺青藝術圈的元老級人物，但基於對藝術的熱愛，Paul更持續嘗試不同媒介創作的可能性，更定位其刺青名所為創作藝廊，並不侷限於刺青藝術，各類型的創作家都是Paul交流對象，而以暗黑風格作為走向僅為了能創造更具內涵與生命力的深沉作品。

一直對藝術創作有著濃厚興趣的Paul，在19歲有了第一個刺青之後就不停地蒐集、甚至嘗試創作自己風格的作品，而Paul陰沉的美學偏好也讓他始終覺得與主流藝術創作圈格格不入。如同很多優秀的傳奇刺青藝術家一樣，除了起步得早，時勢所趨下在很初期就能建立自己的刺青版圖，Paul又屬創作美學獨樹一格的一位，很快地在90年代的紐約就創立了自己的刺青王國Last Rites，並以此為根基推廣與主流大庭相異的黑暗風格。起初設立的最終目標就是將刺青所轉型成藝廊的方向規劃，主要的想法都來自對主流藝廊了無新意的展覽與過於僵固的形式感到失望，最終Paul打造出的是自己心裡嚮往已久，能不受拘束、沒有刻意營造高姿態的創作殿堂，不僅理念如此，裝潢設計都是以宗教、教堂建築元素打造而成，實為暗黑風格的代表性神廟。

Paul Booth的名字就等同於暗黑藝術美學，不論是肌膚刺青或著是畫布手繪都不脫黑白灰的強烈對比，加上陰鬱暗沉的創作題材，時而以恐怖驚悚輔助，觀賞經驗絕對讓人深植腦海。各式的惡魔設定與栩栩如生的邪惡表情，既定意象的黑暗場景Paul絕對是十足拿手，而少了指標性的惡魔、謎樣生物等主體外，Paul仍能將一般的日常題材注入黑暗詭譎的氣氛，就像是兒時玩惡魔城系列、烙印勇士營造印象深刻的寒毛直豎。以暗黑氛圍深植人心，獨步超過20年的Paul不僅專精於獨到的黑暗美學，更擁有不計其數的名人客戶群，當然更不用說跟本人同等傳奇的超長waiting list。

經歷的這20個年頭，Paul對於近10年刺青藝術風潮的劇變感到吃驚，從生化機械的近未來憧憬、經典美式再起、亞洲/日式西傳，到多彩人像素描，風格變化的多變讓Paul一路堅持、較為小眾的暗黑風格逐漸累積不少死忠客戶。讓Paul感嘆的是隨著刺青藝術從次文化躍起，如雨後春筍冒出的刺青藝術家水平卻未能與逐漸擴大的市場一般提升，當然有好就有壞，越來越開放的刺青接受度也讓優秀藝術家們有更多空間發揮，更大面積的全幅創作和更多舞台能嶄露頭角。這樣的世代轉變也讓Paul有更好的機會能推行Last Rites理念，一直都在純藝術與刺青藝術間找尋平衡，Last Rites作為藝廊的存在便是為了能夠讓純藝術的群眾接觸更多優秀刺青藝術，刺青藝術愛好者也能更全面的了解其他形式的創作存在，也更如Paul本人在自己的生活模式中找尋這兩類藝術創作的平衡點。

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Paul Booth

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[刺青] Damien J. Thorn - 東學西傳，新日式的洋骨黑魂

written by Mr.cliche

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Damien J. Thorn，法國藝術家，師承刺青傳奇Guy Le Tatooer，現常駐於MxM的Sang Bleu Tattoo，更是倫敦當前最具話題性刺青名所的草創班底，絕對是無法忽視的新世代刺青藝術家之一。隨著Filip Leu將日式風格導入歐美，掀起注入西方元素的新日式刺青風潮，Damien便是在這股浪潮下奠定自己的新日式支流。以傳統日式元素為創作主體，佐以深色大面積覆蓋，營造出陰鬱灰暗的獨特氛圍，成功地在不計其數的日式題材中做出區別性，也迅速地在刺青藝術界竄起。

 跟許多藝術家一樣，Damien起初也是透過自學和親友間的練習開始刺青藝術，但沒有正確觀念的技術指導往往浪費相對可觀的時間在摸索與嘗試之中，也讓Damien在創作初期漸漸地放棄甚麼都靠自己的念頭。隨著蒐藏Guy Le Tatooer的作品而有了機會與專業藝術家們接軌，而在Guy於法國南方土魯斯成立私人工作室時也正式成為其學徒，踏上專業刺青創作。在因Guy的雲遊四海而解散工作室及透過好友介紹轉向倫敦發展之前，Damien及伙伴們對於網絡社群的曝光相當排斥，屬於正統硬漢派的經營方式，不停地精進技能，不靠花招取巧。直至正式加入Sang Bleu Tattoo並透過MxM與其團隊的社群網絡曝光，才快速地讓大家注意到Damien過人的才華，也迅速變成倫敦與法國炙手可熱的新世代標竿。

 新日式的洋骨黑魂，是對Damien最好的註腳。Damien作品道地的日式調性與傳統經典元素的完美搭配常常讓人誤認為出自日本藝術家之手，除了大量深色對比覆蓋外，也在傳統架構上導入當代創新，融合不同風格元素。而其獨到之處在於未長時間旅居東洋就能創造如此到位的新日式風格，這一切都歸功於以Guy這位風格多樣的傳奇藝術家為導師。Guy曾平均一年調整自己的主要風格兩次，概念在於不斷地突破自己的極限，而在這樣的耳濡目染下Damien也是不停地在既定基礎上延伸變化創作元素，不難看出Guy對其作品的強烈影響。而後在Sang Bleu Tattoo與各地人才切磋，更為Damien注入豐富的進化能量，其中又以日本傳統創新派的Gotch和Gakkin交流最深，不僅同為新日式的風格偏好，更皆以陰鬱色調及強烈對比的深色包覆為特色，也為Damien強化了正統的日式創作核心。

隨著長時間在Sang Bleu Tattoo累積蒐藏的觀察下，對Damien的印象相當深刻，除了個性非常友善外，Damien的觀察力非常敏銳。時常和各地前來駐點的藝術家交換心得並且近距離觀察不同創作手法，不斷地活用、嘗試在自己的創作中，也讓Damien近些年風格的進化速度讓人非常吃驚。隨著長時間的累積，Damien逐漸從新日式框架轉換成型態更豐富的多元創作，且持續精進的創作技巧也完全反應在作品的精細程度，絕對是挑選東方元素刺青創作的潛力首選。

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Info

Damien J. Thorn

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延伸閱讀

[刺青] 跨界合作的藝術奇才，幾何、DOTWORK刺青大師MXM

[刺青] Guy Le Tatooer - 行旅全球，新世代風潮的起點

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[音樂] DIIV - 深潛於黑色立方體

written by Benjamin Lin

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在2012時將團名從Dive改為了DIIV(唸法不變)他們來自紐約的Brooklyn，受到前輩Grunge以及Shoegaze風格的影響，用連綿不絕的電吉他建立循環音牆，讓人彷彿深潛進入一個厚實的黑色立方體之中。

DIIV所屬的音樂廠牌Captured Tracks是一個近幾年來新崛起的紐約獨立音樂廠牌，旗下還有像是Wild Nothing以及EZTV等比較耳熟能詳的藝人。剛好DIIV和他們的音樂風格也頗為相近，感覺得到一股年輕朦朧的不安定感，卻又叫人嚮往。

DIIV在2012年時推出首張專輯<Oshin>便獲得許多樂評媒體的好評，從第一首歌”Druun”開始，無演唱的低迷旋律便讓我們陶醉，而到了中段銜接的”How Long Have You Know”以及後面的”Doused”這幾首歌，彷彿帶我們重回早期Sonic Youth的美好時代，隨著節奏搖擺然後在最後，朝著天花板吐出了一口長長的氣。

經過了4年，好不容易DIIV又有了新作品，雖然歷經前任鼓手Colby Hewitt因為藥物問題而離團，以及主唱Zachary Cole Smith自己因持有毒品而被逮甚至進行勒戒，而這些事件也對新專輯< Is The Is Are>造成了影響。

Zachary在一次與RollingStone的專訪中也說到專輯中的”Dust”以及”Mire(Grant’s Song)”歌曲就像他抑鬱心情的寫照，害怕被關進監獄害怕被登上報章雜誌，這些負面的情感自然的被帶進了這張專輯，使得整體表現得更為黑暗卻真摯，像毒品製造出的黑洞，一不小心就往下墜入。

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[刺青] Corey Divine - 無暇邊角、聖形神印

written by Mr.cliche

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Corey Divine，美國舊金山藝術家，長期海外駐點創作，最後落腳在故鄉灣區設立工作室，以宗教上常出現的神聖幾何創作聞名。大膽鮮明、對比分明，Corey以富含黃金比例的大面積幾何構圖配合無瑕疵的邊角弧線，如同轉印一般的高技術水平讓其作品不僅風格強烈，細節也是絕對完美。Corey在刺青創作上與多位同為專精幾何圖形的藝術家聯名創作，其中又以和"Dots To Lines" Chaim Machle的共同創作最為知名，另也將創意觸角延伸至不同領域與材質，除了平面、服飾品牌聯名外，家俱擺設也是連乘創作主軸之一。

2007年，逛了刺青博覽會，大開眼界後就順手買了刺青器材新手包後就開始在好友身上嘗試創作，經歷了不少當地的刺青所，也曾和倚老賣老的藝術家學習技能，一路並不算順遂，但最終還是憑著對繪畫的熱情而持續著自我學習、慢慢建立現在的創作風格。起初Corey創作偏向new school風格，並以多樣化色彩為主，隨著持續從不同面向吸收藝術靈感，加上總是在同中求異的極端個性，也讓Corey慢慢往當時仍為冷門的幾何創作前進，更調整創作方向朝大面積創作持續累積。

在極簡中尋求最具力道的呈現，Corey開始嘗試不同的幾何排列，並著重於單色創作，保持最簡單、強烈的視覺衝擊。並在這樣純粹的黑白色調下，以具有宗教色彩的各式圖形矩陣作為風格主軸，兩者絕妙的搭配，很快地就讓Corey在近些年幾何風潮下浮上檯面。而對任何事物都保有興趣並沒有特別強烈的偏好也讓Corey對於不同風格的嘗試毫不排斥，近期Corey試著檢視自身的創作風格，對自己的創作歷程重新歸納分類，突破僅以黑白單色創作的框架，將早期常使用的紅、紫等多樣色彩與幾何創作再次結合，創造出更具層次的點線邊角。

Corey除了刺青創作外，更嘗試與不同領域的品牌聯名，除了非常適合Corey大面積幾何創作的滿版服飾，更與煙具品牌合作推出玻璃材質的刻印容器，甚至是杯具器皿、家具擺設等。未來更計畫運用最新科技，將3D及虛擬實境技術導入聯名創作，讓藝術愛好者能身歷其境的掉入Corey創造的神祕幾何漩渦。

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Info 

Corey Divine

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延伸閱讀

[刺青] CHAIM MACHLEV - 天賦感召的點線交融

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